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La artista mexicana Wendy Cabrera Rubio (México, 1993), quien según el INGEMM es 55.2% de ascendencia genómica amerindia, 41.8% de ascendencia genómica europea y 3.5% de ascendencia genómica africana, presenta en LUIS Galería Escenario para una genómica nacional, un recorrido por el mito de la identidad “mestiza” en México.
La exposición es un repaso de distintos sucesos vinculados al ideal nacionalista en México, pasando por José Vasconcelos y su proyecto cultural y educativo; el muralismo y el teatro Petul como herramientas pedagógicas para la homogeneización y castellanización de la población; la creación del Instituto Nacional de Medicina Genómica y su proyecto Mapa del genoma de los mexicanos, el cual determina las variaciones genéticas comunes en la población “mestiza” del país.
Wendy realiza este recorrido histórico retomando el arte lúdico y pedagógico, nos muestra células de gran formato tejidas a mano con fieltro sintético; murales interactivos realizados con fieltro, limpiapipas, terciopelo y velcro; marionetas de papel maché y la obra Escenario para una genómica nacional, cuyo cartel es una xilografía impresa con la sangre de la artista.
Para la gráfica de esta exposición retomamos la sangre y su papel protagonista en la muestra, así como una tipografía que remitiera a las puntadas del tejido único y un tanto aleatorio que predomina en las piezas.
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Fotografías: Cortesía LUIS Galería
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Tipografías: Anthony (Sun Young Oh)
↗ Detalle en exposición
↗ Unseen enemy 1 , 2021
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Identidad gráfica para el estudio de la artista jalisciense Renata Petersen (México, 1993), cuya obra incluye medios como dibujo, pintura, vidrio y principalmente cerámica. Su obra toca temas de caracteres religiosos y sociales no exentos del humor negro y la sátira.
Para el desarrollo de la identidad elegimos un camino tipográfico que se complementa con un sistema de retículas en el cual se despliega la obra de la artista. Este sistema da mayor jerarquía a las piezas al activar el espacio blanco en las aplicaciones digitales e impresas incluyendo una versión en stencil de iconos y logotipo utilizada para empaque y embalaje.
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Tipografías: Surt (Matthieu Salvaggio, 2020)
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La muestra del artista Javier Fresneda presenta una “serie de inconsistencias controladas, un puente de unión entre los lenguajes adultos del arte post-internet de la década pasada y los recientes balbuceos del formalismo mariguano a los que muchos artistas de la actualidad hemos recurrido” (Muñoz, Luis F., 2021). Es un juego irónico entre las pequeñas dimensiones de las piezas y el espacio expositivo con el título grandilocuente.
En la segunda parte de la exposición, dividida por un par de puertas de cantina, se presentan obras de gran formato en las que el plasma de la Virgen de Guadalupe, el resplandor de la transformación a Super Sayayin de Vegeta IV y la silueta del cardo Quauhtlahuitzquilitl son protagonistas. Contrario a la lectura de “figura-fondo” que casi siempre se les da en la narración histórica clásica.
Para la identidad gráfica se utilizan estas siluetas trazadas por Fresneda y se aplican de manera animada transicionando entre una y otra a manera de metamorfosis.
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Fotografías: Cortesía de LUIS Galería
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Tipografías: GT America Mono (Noël Leu & Seb McLauchlan, 2016)
↗ Sin título (Placario, mano-pie), 2021
↗ Sin título (goggles II), 2021
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Stoic Magazine es una revista de moda, estilismo y fotografía, editada por Santiago Neyra, que busca crear un diálogo visual entre fotógrafos de todo el mundo compartiendo un mismo eje narrativo en cada edición.
Stoic Type es una tipografía sans serif geométrica moderna, de caja alta, semi-extendida y de contraste nulo. Sus proporciones están pensadas para puntajes altos (16 pts hacia arriba) y su grosor continuo la dota de una cualidad estética limpia y contemporánea. Stoic Type se diseñó a la medida para la portada y títulos de la revista.
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Fotografías: Santiago Neyra
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Airbag es una empresa de tecnología que brinda servicios de logística, seguridad y análisis de datos a empresas transportistas y flotillas vehiculares. Cuentan con una amplia gama de productos abarcando aplicaciones para dispositivos inteligentes, plataformas web de análisis de datos y comportamiento para conductores y operadores en tiempo real, programas de incentivos a base de gamification, foros de comunidad virtual y diversas herramientas para reducir los accidentes de tránsito, la fatiga y los malos hábitos de conducción.
Para lograr plantear un ecosistema gráfico coherente con los valores de Airbag desarrollamos junto con Paola Beauregard un amplio sistema visual que le permite a la marca comunicarse con sus usuarios, líderes de flotillas y posibles inversionistas. El sistema incluye animaciones, desarrollo de personaje, iconografía, logotipos variables, sistema para redes sociales e interfaces de usuario para la aplicación móvil.
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Tipografías: Object Sans (Alex Slobzheninov, 2018)
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Bocchinara es un término italiano empleado para referirse a una mujer que disfruta de practicar sexo oral a órganos sexuales masculinos. En el trabajo de Renata Petersen (México, 1993) se alude a la polisemia del término y se subvierte la carga moral asignada transformándose en la liberación de quien entiende que el placer no es sinónimo de culpa. Las piezas presentadas remiten a mirillas de los peep shows, dildo-ciudades inhabitables y solitarias.
Para la identidad de la muestra se buscó crear un contraste entre lo orgánico y lo formal, lo liberador y lo conservador, lo inocente y lo prohibido. Empleando para lograrlo una serie de ilustraciones casi infantiles de las dildos-ciudades en colores saturados confrontadas con el uso de una tipografía de serifs pronunciadas, semejantes a anzuelos o espinas.
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Fotografías: Noemi Garcia (Cortesía LUIS Galería)
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Tipografías: Agrandir (Alex Slobxheninov, 2018) + Wulkan Display (Jan Estrada-Osmycki, 2015)
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↗ La fortaleza de cristal (cobalto), 2021
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Mecánica Celeste es la primera exposición de José Eduardo Barajas, (México, 1990) en LUIS Galería en colaboración con Relaciones Públicas Art. Es también un estudio sobre la luz y las superficies metálicas reflectantes en el cual Jose Eduardo realiza simulaciones en Blender en torno a la luz, la gravedad y cómo estas afectan los cuerpos, materiales y espacios.
El artista explora la relación entre la imagen digital y la pintura tradicional, entre el movimiento de los cuerpos celestes y los intercambios de fluidos alquímicos. Estos estudios se materializan en una serie de pinturas y vitrales en donde la luz es protagonista.
Para el diseño de esta exposición se utilizó Ultrasolar, por el diálogo formal que existe entre los cortes en las formas tipográficas y el juego de brillos, luces y en la obra de José Eduardo. El texto escrito por Gisselle Girón Casas para la publicación toca temas de alquimia, luz y astronomía mientras que Ultrasolar surge de una exploración inspirada en Methuselah, la estrella más antigua.
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Fotografías: Noemi Garcia (Cortesía LUIS Galería)
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Tipografías: Ultrasolar (Adrien Midzic, 2019)
↗ The closer we become (the more deeply we are hurt), 2020
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Hay un barco en medio del desierto es la primera muestra individual del artista Gabriel Sánchez-Mejorada (Torreón, 1995). La exposición tuvo lugar en la Galería Torranoa, ubicada en Torreón, Coahuila como resultado de la residencia del artista.
“En un intento de contextualizar aquellas cosas que parecen ausentes, Sánchez-Mejorada les encuentra un lugar de pertenencia. Los conceptos de lo efímero contra lo perpetuo, lo liviano contra lo denso, lo contenido y lo excedido, son las tensiones presentes en esta muestra artística” (Valencia E., Pidal M.,2021)*
La identidad gráfica realizada para esta exposición captura esos conceptos presentes en la obra y los traduce en los diferentes materiales de comunicación. Éste ejercicio se ve reflejado en los acomodos tipográficos diseñados para activar y desactivar el espacio que habitan, usando como recurso distintos niveles de opacidad que remiten al contraste entre lo liviano y lo denso, lo perpetuo y lo efímero, puntos que aparecen y desaparecen en un impreso, una animación o un desierto.
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*Extracto del texto de Emilio Valencia y Manuel Pidal para la Revista Terremoto.
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Tipografías: NT Bau (Ariel Di Lisio y Aldo Arillo)
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↗ Vacío colmado, 2021
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Torranoa es un espacio dedicado al arte contemporáneo, a la convivencia de escenas culturales y emergentes tanto del interior como del exterior de Torreón, Coahuila, explorando las dinámicas de poder que existen dentro de la dualidad de la imagen centralizada y la imagen periférica. Partiendo de una necesidad de flujo y movimiento para los actores culturales de la región, Torranoa busca establecerse como una potencia dinámica para la supervivencia esencial de experiencias artísticas, tanto locales como nacionales.
Teniendo en cuenta las necesidades de una galería emergente ubicada dentro de la comarca lagunera, en donde la presencia de esculturas invaden el espacio público, propusimos un logotipo en el que la palabra se divide en sílabas (TO–RRA–NOA) colocándose una debajo de otra, remitiendo a volúmenes escultóricos creando una forma cuadrada sólida.
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Tipografías: Ancho (Beatriz Lozano, 2021) + Akzidenz Grotesk (Günter Gerhard Lange, 1966)
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Maremoto es un estudio de arquitectura y diseño de interiores con base en Dublín, dirigido por Alfonso Bonilla y Rob Curley.El estudio realiza proyectos de diferentes escalas construidos desde la investigación-observación del lugar y lo que lo conforma, como el ambiente, el clima, los materiales y colores locales, el lenguaje y la historia e identidad del lugar.
Para el desarrollo de la identidad gráfica se creó una tipografía a la medida para el logotipo y un sistema modular para el monograma inspirado en el alfabeto ogámico, utilizado antiguamente para representar el idioma irlandés, y en los cruces y estructuras que existen en la arquitectura. La paleta cromática refiere al cotidiano de Alfonso y Rob en el estudio.
Esta identidad se realizó en conjunto con Esteban German (eeestudio).
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Tipografías: Tiempos (Kris Sowersby, 2010)
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El cierre temporal de los museos en la Ciudad de México a causa del COVID-19, originó en el Laboratorio Arte Alameda (LAA), el cuestionamiento sobre lo que significa el regresar al lugar que antes se habitó. Este suceso coincidió con las celebraciones que marcan el 20 aniversario del museo el cual fué fundado con una vocación hacia los nuevos medios en arte contemporáneo experimental y transdisciplinar.
Estos cuestionamientos y reflexiones sobre estos eventos simultáneos tienen como resultado la exposición temporal Re-habitar el LAA, la cual presenta obras de dos maestros de la pintura virreinal: Baltasar de Echave Ibía (1583–1650), y Juan Patricio Morlete Ruiz (1713–1772), seleccionados para dialogar con obras de la y los artistas contemporáneos Tania Candiani, Edgardo Aragón y Antonio Vega Macotela.
Re-habitar el LAA es una exposición colaborativa entre el Laboratorio Arte Alameda y el Museo Nacional de Arte (MUNAL). Para la identidad se retoma la idea del espacio antes habitado, el museo como hogar temporal de las obras, los muros y la luz como registro del paso de tiempo y la marca física que estos dejan en el lugar.
Esta identidad se realizó en conjunto con Esteban German (eeestudio).
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Tipografías: Wulkan Display (Jan Estrada-Osmycki, 2019) + Maison Neue (Timo Gaessner, 2012).
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Luis Galería es un espacio dedicado a la exposición, difusión y venta de arte contemporáneo en la ciudad de Guadalajara, enfocada en artistas jóvenes de México y Latinoamérica.
Para desarrollar una identidad gráfica coherente con los ideales de Luis, tomamos como punto de partida el interés por construir espacios expositivos para jóvenes artistas y las técnicas predominantes utilizadas en sus procesos artísticos, construyendo así una identidad simple y fresca.
Posteriormente la Luis Galería inauguró Luis Oficina, un espacio temporal dentro de un edificio de despachos, con pisos y bancadas verdes, color que se retoma para la identidad de esta.
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Tipografías: Agrandir (Alex Slobxheninov, 2018) + Wulkan Display (Jan Estrada-Osmycki, 2015)
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Laboratorio Arte Alameda (LAA) es un museo de arte contemporáneo dedicado a prácticas artísticas interdisciplinarias entre el arte, la ciencia, la tecnología y otras. Rodeados de múltiples comunidades, el LAA está comprometido en crear programación con y para diversos visitantes y usuarios, y así contribuir de forma activa en la ecología social de su entorno.
Como parte de la celebración del 20 aniversario del Laboratorio Arte Alameda se lanzó el programa público y exhibición #LAA2020 para la cual se diseñó junto con Esteban German (eeestudio) una identidad que plasmara la producción artística mexicana relacionada al uso de herramientas electrónicas atravesadas por el internet en los últimos 20 años. Las animaciones de la identidad retoman el valor que tiene la experimentación para el LAA. Los elementos gráficos se despliegan en animaciones y en el sistema de redes sociales.
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Tipografías: Seis Módulos (Costume Type) + Maison Neue (Timo Gaessner, 2012).
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El Banco de México participa cada año en la Semana Nacional de Educación Financiera (SNEF). Este evento es impulsado por el Gobierno de México y en él participan instituciones públicas, educativas, privadas y sociales, quienes unen esfuerzos para otorgar a los asistentes información, y actividades sobre educación financiera a nivel nacional.
Para la edición 2020 de la SNEF desarrollamos junto con Esteban German (eeestudio) una serie de tres animaciones que tienen la finalidad de sensibilizar sobre la importancia de desarrollar capacidades financieras suficientes para administrar y aprovechar recursos de manera autónoma.
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INSITE es una iniciativa dedicada a la producción de obras de arte en la esfera pública mediante colaboraciones entre artistas, agentes culturales, instituciones y comunidades. Se han organizado seis ediciones a lo largo de los últimos 28 años, cada una con una perspectiva curatorial y artística distinta, pero siempre privilegiando la participación a largo plazo de artistas que desarrollen proyectos concebidos para contextos específicos.
Con el motivo de los 20 años de INSITE desarrollamos durante nuestra estancia en Red Basic Color (María Calderón) + Cítrico gráfico (Ricardo Lozano) un sistema de identidad partiendo de una retícula modular para comunicar la gran diversidad de proyectos que viven dentro de INSITE. Éste sistema resulta lo suficientemente flexible como para permear en las redes sociales (2020), web, papelería, piezas audiovisuales y en el diseño editorial de la publicación digital INSITE Journal.
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Programación INSITE Journal Issue 01: Luis Farfan
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Tipografías: FF Din (Ludwig Goller, 1926) + Neue Helvetica (Max Miedinger y Linotype Design Studio) + Crimson (Sebastian Kosch, 2010)
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Alitas es un jardín de niños y guardería ubicado en la colonia Cuauhtémoc, Ciudad de México, fundado en 1958, que brinda educación y atención personalizada para lactantes, maternales y preescolares. Su programa educativo se especializa en lecto-escritura e inteligencia emocional.
Para comunicar los valores y oferta educativa de Alitas colaboramos con lxs niñxs de la institución en la creación de un sistema gráfico que refleja la simplicidad que busca un preescolar, la importancia que la escuela le da a lxs niñxs y la seguridad que busca un padre de familia.
El sistema gráfico gira en torno a dibujos simples, formas geométricas y colores primarios. Este se despliega en papelería, documentos internos, señalización, sitio web y redes sociales.
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Agradecemos a lxs alumnxs (Alfredo, Andrea, Carlos, Daniel, Diego, Giana, Ibrahim, Ivana, Julieta, Mateo, María y Valentina) por sus dibujos y retroalimentación.
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Tipografías: Pangram Sans (Mathieu Desjardins y Valerio Monopoli, 2015)
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El Abierto Mexicano de Diseño es un festival anual que se enfoca en promover, exhibir, apoyar y divulgar el diseño mexicano contando con una presencia internacional. El AMD presenta en el Centro Histórico de la Ciudad de México instalaciones en el espacio público, exposiciones, conferencias y talleres.
La edición 2019 del festival tuvo como temática “lo popular en el diseño”, entendiendo como popular lo perteneciente al pueblo. Mario Ballesteros, curador invitado de esta edición, propuso abrir el diálogo y la discusión sobre la importancia de construir y repensar lo “popular”.
Para la identidad gráfica de esta edición desarrollamos durante nuestra estancia en Red Basic Color (María Calderón) en conjunto con Carlo Canún, Derek López y Alejando Olávarri una investigación visual sobre el diseño “popular”. Los resultados conceptuales de esta fueron repetición, contención, aleatoriedad y armonía. Se emplearon 9 de las tipografías más utilizadas en México (Arial, Arial Rounded, Akzidenz Grotesk, Bauhaus, Clarendon, Cooper Md, Sylvar, Times y Zschusch), colores RGB, y elementos gráficos de apoyo como degradados y envolventes.
A la par, Isaías Salgado y Melquiades García diseñaron y produjeron rótulos para complementar la identidad.
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Fotografías: Pim Schalkwijk (Cortesía de María Calderón y el AMD)
Ilustraciones catálogo: Alejando OlávarriPim Schalkwijk
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El Flowfest es un festival de música urbana y reggaeton patrocinado por OCESA y Coca-Cola. Cuenta con 3 escenarios, 30 actos, más de 10 horas de música, experiencias gastronómicas y de arte urbano.
Para la edición 2019 del festival generamos durante nuestra estancia en Cítrico gráfico (Ricardo Lozano) + Red Basic Color (María Calderón) una identidad tipográfica basada en los colores de la marca y las representaciones gráficas de las ondas sonoras. El sistema se despliega en carteles, instalaciones en el espacio, diseño de escenario y merchandising.
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Tipografías: Flama (Mário Feliciano, 2002)
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Fotografías: Cortesía de Coca-Cola Flow Fest
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Sacbé, camino de intercambio presenta el diálogo entre los artistas Pim Schalkwijk y Leandro Soto sobre sus respectivas visiones de la cotidianidad en el Mercado Lucas de Gálvez, ubicado en Mérida, Yucatán.
Teniendo en mente la figura de un camino y su recorrido, los mapas y el mercado, desarrollamos durante nuestra estancia en Red Basic Color (María Calderón) una identidad tipográfica para acompañar la exposición presentada en Casa del Benemérito de las Américas Benito Juárez, La Habana, y posteriormente en el Centro Cultural Julio Antonio Mella, Cienfuegos, Cuba.
El sistema consta de frases o caminos que se expanden en invitaciones digitales, hojas y textos de sala así como pendones y animaciones.
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Tipografías: Agrandir (Alex Slobzheninov, 2018) + Graphik (Christian Schwartz, Ilya Ruderman, Panayiotis Haratzopoulos, 2009).
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Fotografías: Pim Schalkwijk. (Cortesía de Pim Schalkwijk).
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Singular es una empresa mexicana dedicada al desarrollo e integración de soluciones de software para el Gobierno de Identidad Digital. Colaboran con empresas y entidades de gobierno en la protección del acceso a sus activos y servicios digitales mediante la aplicación de tecnología.
Durante nuestra estancia en Red Basic Color (María Calderón) + Cítrico gráfico (Ricardo Lozano) desarrollamos una identidad gráfica que parte del pixel y el guión bajo. Creamos una tipografía monoespaciada, Singular Code, inspirada en la versatilidad del código. Esta se acompaña de distintos emoticones que permiten al usuario personalizar su perfil dentro de la plataforma.
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Tipografías: Singular Code (Custom Type) + Akkurat (Laurenz Brunner, 2004).
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Paralelo es un festival interdisciplinario que busca visibilizar el trabajo, habilidades y proyectos de estudiantes cursando las licenciaturas de comunicación visual, diseño industrial y medios digitales. El objetivo del festival es incentivar a los alumnos a crear, diseñar y pensar proyectos colectivos, creando un eje paralelo que cruza las distintas disciplinas.
Como parte del festival se llevaron a cabo distintos talleres. 3D + cerámica, processing + serigrafía, animación 3D, introducción al video-mapping y DIY synth. Los resultados finales fueron mostrados en una exposición colectiva. Los proyectos abarcaron desde un sintetizador análogo de circuito cerrado hasta prendas textiles impresas en serigrafía con patrones elaborados en processing.
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Animación: Paola Beauregard
